「白圖」「黑地」的換裝
以前在學校學彩色照片的沖印技術時，底片和藥材都很貴，難免自問：
用昂貴的彩色配備去表現「顏色不顯著」的對象（尤其是白或黑），是不是一種殺雞用牛刀的藝術糟蹋？
35年之後，新作品分享歷程中就怕有觀眾反問我：
有沒有想過直接用黑白底片拍同樣的對象？
答案倒是很肯定：不會！
畢竟當下按下快門的情感是因為藍天白雲。
再者，
相較於黑白照片，使用稍具真實說服力的彩色媒介，
就是要竭盡全力的表述彩色照片中白對象的「真實」。
幾年前曾領悟到，
「數位的黑白影像」是色彩資訊暫時被（科技）擱置的
「原像借身」；
作者隨時都可以將它恢復成原色的樣貌，
是一種不穩定、可變的數位圖象特質。
〈游 - 9〉抬頭仰視不同季節、不同時分，來去無蹤、千變萬化的「數位黑白雲」，就有藝術操弄的小確幸。
耐人尋味的是，
俯瞰有機的白雲「圖」，
凝視周遭無機黑「地」片刻，
頓時之間兩者原本的圖象角色居然被互換了
用身體俯瞰影像......
小時候羨慕飛禽能隨心所欲的俯瞰世界，
直到乘坐過飛機之後，這樣的欣羨才些許的削弱。
對於前不久廣見的無人機俯攝的視野也曾有冥想，
反倒是不曾對於登高俯視都會夜景的情境感到心動。
形貌，讓作品展現了言簡意賅，字字珠璣的理想。
日常中身體無論如何移動，
視網膜「平視」的經驗總佔絕大部分；
而「知覺的恆常性」
卻會讓大腦自動修正對象大小和遠近的差異。
如果不刻意用單隻眼睛觀看，
實際上也不容易體驗出
高山或巨大建築物呈現出的透視樣貌。
一般人面對「方位錯誤」的影像內容，
尤其是天空和地面的倒置，
常會不自覺的歪頭、彎頸甚至於把頭180度的倒掛，
想要恢復對象處在有地心引力的狀態。
驚覺：
低頭看影像，
一旦超過一般閱讀書本的距離，
便很容易產生不真實感——心想，這應該和活生生的對象被壓平、固定在一個圖面上的「假象」有關吧？
更讓人稱奇的是，
影像只要大到可以放置在地上，
向下看時甚至得繞著圖面尋找心智都感到舒服的方位。
光斑、反光的修辭
剛學攝影時就發現，
鏡頭大廠強調自己的產品對著街燈或葉縫間的陽光，
可以拍出圓形的「散景圖案」，遠勝於他廠的星芒狀，也大幅降低光斑的現象。
同時也有人提醒我，
鏡頭要避開光線的直射，免得傷眼，又產生光斑，影響影像的清晰度。
拍照的人經常討論光學的數字，
畫家倒是很少討論材料的工業成分。
那麼
當代藝術家又是如何把工業科技所造成的特殊結果美術化？
跟著鏡頭看世界很久之後，我才慢慢明白：
學拍照、認識藝術，得先把光學的學理放一放，
影像才有可能回到它最純粹的樣子。
當影像不再只是為了辨識對象的「名詞」時，
我們才有機會感受到什麼叫做帶著「修辭感」的情境氛圍。看看那些傑出的攝影家，
他們長期以來都和科技、光學抗衡。
他們全力地奪回人的話語權，大聲地說：
光斑、光暈等「光學語彙」
是鏡頭在現實世界中揮灑出的藝術筆觸；
生活材質上的反光不是光照的現象，
而是現實情境被光線暈染出來的藝術效果。
浪漫鏡頭的〈游-2〉
透視學的消失點、水平線、消透線是圖像空間表現上除了「空氣透視法」和「色彩遠近法」之外的重要知識。
畫家藉由對透視線指向消失點的操控，有效的呈現空間的深度、物體遠近的關係、對象形貌的大小和位置等等。
個人覺得：得宜的操控圖像透視最有助真實感。
只可惜攝影老師往往省略了繪圖解釋相關的知識，
眾人多直接接受鏡頭所產生的光學透視特質，極度化空間的縱深感，或者是藉由視覺消透線引導觀者進入特定的影像符號。
關於典型「寫實感」的圖像，
作者為了強化其中的景深感，
除了先設計顯著消透現象的物件之外，
如有必要多再將仰視的視野安置在圖的上方，
或者是把俯瞰的內容配置在圖面的下方作為前景，
以增加縱深的效應。
針對「照像」單點透視的空間思維，〈游-2〉提出了另類的思考。
結構多張早具強烈單點透視影像的過程，
逆向操作上述圖像學的慣例：交錯，互換仰、俯的上下慣性位置，有意削弱圖像空間深遠的想像。
被「平化」過的〈游-2〉，影像卸下現實空間的對應關係，因此個別的視覺元素得以在非現實感的氛圍中展現應有的張力：亮暗對比的幾何造形、多面向的線性，進一步和周遭的對象串聯出顯著的視覺韻律。
餘光，圖面中間被裁斷的水平線，讓長短不一的線體在畫面的上、下半段浪漫的飄浮。
不規則的消透點，如同牛排大餐主菜邊緣細碎的盤飾熱情的紛散。
在旁的白色頁則靜默監看這一場熱鬧的視覺晚宴。